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El pop art. La tendencia artística del consumo




El término Por art es la abreviación inglesa de popular art, tendencia artística que tiene su origen en el debate que nació en Inglaterra en la década de 1950, sobre la comunicación de masas al consumo de drogas, a la música, a la vida enloquecida y desbocada, a una sociedad de consumo desaforado y a un gusto generalizado por lo inmediato y efímero. Además la producción de imágenes que la concierne. El crítico de arte inglés Lawrence Alloway fue el primero en utilizar este término. Esta tendencia se formó en el Independant Group que invitaba a los artistas del grupo a inspirarse en el cine, la publicidad y las tecnologías de la sociedad de consumo.

Fue un importante movimiento artístico del siglo XX caracterizado por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales y del mundo del cine. El arte pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en las Bellas Artes, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras, además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.
El arte pop es comúnmente interpretado como una reacción a los entonces dominantes ideales del Expresionismo abstracto. De cualquier forma, el arte pop también es la continuación de ciertos aspectos del expresionismo abstracto, tal como la creencia en las posibilidades de hacer arte, sobre todo en obras de grandes proporciones.
Del mismo modo, el arte pop era una extensión como un repudio del Dadaísmo. Mientras que el arte pop y el dadaísmo exploraban los mismos sujetos, el arte pop reemplazaba los impulsos destructivos, satíricos y anárquicos del movimiento Dada.

La mayoría de las obras de este estilo son consideradas incongruentes debido a que las prácticas conceptuales que generalmente son utilizadas hacen que sean de una difícil comprensión. El concepto del Arte Pop no hace tanto énfasis al arte en sí, sino a las actitudes que lo conducen.
Aunque lo pueda parecer, el Pop Art no es un estúpido movimiento en el que los artistas se ponen a crear obra fácil para un público lento. Si lo pensamos, es más bien un arte muy político, y muy consciente de la realidad de nuestra sociedad de consumo. Otra cosa es que te guste o no esa sociedad.

Los artistas pop, en realidad, documentan lo que ven a su alrededor, con sus luces y sus sombras. Es, ni más ni menos, la manifestación plástica de una cultura que se caracteriza por varios factores como son el consumo vertiginoso, la tecnología, el ocio, el consumo, las modas, la democracia… Todo fabricado, empaquetado y listo para venderse.

El arte, más que nada, es otro producto, y para un mayor rendimiento se puede producir en serie.
Nuestra cultura es superficial, es inexpresiva e impersonal. Es repetitiva y saturante. Es casi una religión con sus iconos, sus santos y sus liturgias que nos anestesian para olvidar los problemas graves que nos acechan.
Los artistas del pop pretenden llegar al máximo público posible, sin elitismos ni exclusiones. Su mensaje es sencillo y claro y se dirige al común de la sociedad. No se persigue la originalidad sino más bien la reinterpretación de fotografías, grabados y pinturas anteriores. Fundamental es el color, chillón y provocador, así como la temática, muy simple y directa.
No se crea realmente nada nuevo sino que más bien los artistas POP hacen llegar al gran público las diferentes propuestas artísticas. Tal vez sea el primer estilo artístico que procura ser comprendido por todo el mundo y que se esfuerza por mostrar una estética popular. Contornos claros, colorido variado y fuerte y ausencia de grandes mensajes. No hay reivindicaciones, denuncias de injusticias, heroísmos o grandilocuencias.
Principales representantes de este movimiento:
·         - Andy Warhol
·         - Roy Lichtenstein
·         - Richard Hamilton
·         - David Hockney
·         - George Segal


Andy Warhol Después de trabajar como diseñador gráfico para la revista estadounidense Glamour, Andy Warhol (1930-1987) emprendió una gloriosa carrera de artista independiente; fue pintor, periodista fotográfico, escritor e incluso productor de música pop. Su total identificación con el mundo del consumo y la cultura urbana de masas se refleja en su elección de temas contemporáneos. Warhol transforma en obra de arte la uniformidad del producto de masas mediante la realización de imágenes repetitivas como el retrato de Marilyn, accidentes automovilísticos, latas de sopa Campbell, botellas de Coca-Cola, siendo estas dos últimas el símbolo por excelencia de la América contemporánea. Andy Warhol era consciente de la ambigüedad comercial en la que se basaba el éxito del pop art. Cuando reproducía una imagen símbolo del consumo de masas, creaba a su vez un mito, convirtiéndose también en cómplice de aquella sociedad de consumo que quería estigmatizar.


Un artista es alguien que produce cosas que la gente no necesita tener pero que él, por alguna razón, piensa que sería buena idea darles.



Roy Lichtenstein (1923-1997) es uno de los representantes más importantes del pop art y uno de los más innovadores de la pintura americana contemporánea. 

Trabaja hasta 1957 en el marco del expresionismo abstracto y no fue hasta 1962 que su obra llegó a una definición completa y original. Al igual que otros artistas del grupo, se interesa en los medios de comunicación, como expresión de una vida mecanizada e individualista; para este fin, Lichtenstein aislada y agranda de forma desmesurada imágenes sacadas de los cómics más banales y las sublima, o bien repropone, siempre a través de una reproducción ampliada.

Richard Hamilton (Londres 1922-2011) es uno de los representantes más importantes del Pop art europeo. En su obra se inspira en los precursores del pop como Eduardo Paolozzi (1924-2005) con quien fundó el Independent Group. Hamilton, más radical y excéntrico, manipula y distorsiona las imágenes ofrecidas por los medios de comunicación, las restituye sobre fondos de color que las « enfrían », vaciándolas de su contenido emocional. En la exposición organizada por el Independent Group en 1956 en la Whithechapel Gallery de Londres donde se exponían obras de Hamilton, reproducciones de carteles, una máquina de discos (jukebox) en la que sonaban canciones pop y un panel que reproducía el personaje de Robby el robot de la película Planeta prohibido con el propósito de asociar posibilidades creativas y el interés por los cambios tecnológicos.

El arte de mañana será popular, concebido para las masas; efímero, con soluciones a corto plazo, prescindible, fácilmente olvidable; de bajo coste, producido en masa; joven, dirigido a la juventud; ingenioso; sexy; efectista; glamuroso… un gran negocio…



David Hockney (Bradford 1937) pintor y grabador inglés, después de sus estudios en el Royal College of Art, pasa a formar parte de la segunda generación del pop art inglés. Su obra viene marcada por el expresionismo de Bacon, pero trata sus temas con un cierto humor.

 En la serie Domestic Interiors, utiliza imágenes de revistas « populares », mezclándolos con el graffiti, la escritura y los signos infantiles. Instalado en los Estados Unidos desde 1960, trabaja en Nueva York realizando la escenografía para la ópera La carrera del Libertino y en California la serie Piscinas: Nik Wilder, (1966) y utiliza ampliamente la fotografía como soporte de su obra.

Roy Lichtenstein (1923-1997) es uno de los representantes más importantes del pop art y uno de los más innovadores de la pintura americana contemporánea. Trabaja hasta 1957 en el marco del expresionismo abstracto y no fue hasta 1962 que su obra llegó a una definición completa y original. Al igual que otros artistas del grupo, se interesa en los medios de comunicación, como expresión de una vida mecanizada e individualista; para este fin, Lichtenstein aislada y agranda de forma desmesurada imágenes sacadas de los cómics más banales y las sublima, o bien repropone, siempre a través de una reproducción ampliada, obras maestras de artistas como Matisse, Mondrian o Picasso. Desde 1964, se dedica a investigaciones plásticas y a una actividad gráfica intensa, así como a la escultura (Barcelona’s Head, 1992).


George Segal nació en Nueva York. Sus padres, inmigrantes judíos de Europa Oriental, regentaban una carnicería en el Bronx y posteriormente se trasladaron a una granja avícola en Nueva Jersey , donde Segal creció. Aunque Segal comenzó su carrera artística como pintor, sus obras más conocidas son sus figuras de escayola a tamaño real y los marcos en los que estas habitan. En lugar de usar las técnicas habituales de escayola, Segal fue pionero en el uso de vendajes de escayola (tiras de gasas impregnadas con yeso, generalmente utilizadas para para escayolas ortopédicas) como medio escultórico. El proceso comenzaba, en primer lugar, envolviendo a un modelo con vendas por partes. A continuación, retiraba por trozas la escayola ya endurecida y volvía a poner de nuevo los trozos juntos, uniéndolas con más yeso, hasta formar un caparazón vacío. Estas formas no eran luego utilizadas como moldes, sino que la propia concha se convertía en la escultura final, incluyendo la textura áspera de las vendas. Inicialmente, Segal mantenía las esculturas completamente blancas, pero unos años más tarde empezó a pintar sobre ellas, por lo general con colores brillantes monocromos. En una etapa posterior, acabó por fundir las formas finales en bronce, añadiendo a veces un patinado en blanco para parecerse a la original de yeso.